Андреас гурски: самый дорогой фотограф современности

Сборка на заводе Гурского

В интервью 1998 года Гурски сравнивает свои работы с живописью : «Это может быть для вас искусствовед . Интересно узнать, почему у таких недалеких художников, как я, до сих пор есть доступ к этому словарю». Его самооценка как фотографа и художника становится еще более очевидным, когда он в 1992 году начинает демонстративно обрабатывать цифровые изображения посредством монтажа. Его работа под названием Montparnasse , созданная в 1993 году, сочетает в себе все возможности, которые Гурски черпает из цифровой фотографии: орнаментальная структура, толпы, однородные поверхности. Это многоэтажное здание слишком велико, чтобы его можно было сфотографировать целиком. Гурски сфотографировал обе части дома и на заключительном этапе скопировал их рядом с помощью цифровых средств. Монтаж изображений , которые поражают свою плоскостность и дает зрителю ощущение квартиры, безжизненному орнаментальные структуры. Однако, если вы внимательно посмотрите на структуру, которая выглядит такой однородной, возникают совершенно новые представления. За оконными стеклами узнаются люди, учреждения и действия. Происходят события, все они запечатлены на одном снимке, что оживляет фотографию. Более поздним примером такой процедуры является фотография Mayday V из 2006 года, сделанная во время ежегодной техно-вечеринки Mayday в Дортмунде, на которой Westfalenhalle 1 выглядит как 18-этажная башня. «Мои картины всегда состоят из двух сторон. С очень близкого расстояния их можно прочитать до мельчайших деталей. Издалека они становятся мегазнаками ». По словам Ханно Раутерберга , монументальность картин требует расстояния, но в то же время их богатство деталей требует близости и интимности:« Многие работы Гурски работают как микроскоп: что просто казался знакомым и четко организованным, ведет удивительно насыщенную жизнь крупным планом ».

Индивидуальные доказательства

1. Майкл Колер: Поколение Гурски . В кн . : Искусство Художественный журнал
2. Андреас Гурски, Нина Похл: Без названия V . 1999 г.
3. Беате Зентген: На грани события. Загробная жизнь XIX века в серии пит-стопов Андреаса Гурски F1 . В: Художественный музей Базеля, Беате Зентген, Нина Циммер (ред.): Андреас Гурски . 3. Издание. Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-2019-9 .
4. Флориан Гейне: Глазами художников: заново открываются арены искусства . Бухер, Мюнхен 2009, ISBN 978-3-7658-1612-3 , Mayday V.
5. Беате Зентген: На грани события. Загробная жизнь XIX века в серии пит-стопов Андреаса Гурски F1 . В: Художественный музей Базеля, Беате Зентген, Нина Циммер (ред.): Андреас Гурски . 3. Издание. Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-2019-9 , стр.49 .
6. Беате Зентген: На грани события. Загробная жизнь XIX века в серии пит-стопов Андреаса Гурски F1 . В: Художественный музей Базеля, Беате Зентген, Нина Циммер (ред.): Андреас Гурски . 3. Издание. Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-2019-9 , стр.62 .
7. Кристофер Уильямс-Винн: Образы эквивалентности: Обменная стоимость в фотографиях Андреаса Гурски и метод производства . В кн . : Фотография и культура

Энни Лейбовиц (Annie Leibovitz)

Американка Энни является специалистом по портретным фотографиям для звезд Голливуда. Она работает с известными журналами, которые охотно берут ее фото для обложек.

Знаменитые фотографии Вупи Голдберг, Джона Леннона с Йоко – это все ее творения, как и фото Арнольда Шварценеггера с мотоциклом. Энни Лейбовиц считается одной из самых успешных фотографов нашего времени.

Энни Лейбовиц

Арнольд Шварценеггер, 1975 год.

Обнаженный Джон Леннон обнимает и целует Йоко Оно. Фото было сделано 8 декабря 1980 года буквально за несколько часов до убийства Леннона.

Деми Мур, 1991 г.

Королева Елизавета.

Майкл Джексон.

Леонардо Ди Каприо.

Джонни Депп и Кейт Мосс, 1994 год.

Стинг, 1985 год.

Анджелина Джоли с сыном Мэддоксом.

Пенелопа Крус и Вуди Аллен, 2009 год.

Рианна для журнала Vogue. 2011 год.

Мистер и миссис Обама, 2013 год.

 ●   ●   ●

Анри Картье-Брессон (Henri Cartier-Bresson)

Этот фотограф считается создателем такой профессии, как фотожурналист. Когда он открыл для себя мир фотографии, то понял простую истину: все снимки нужно делать по-настоящему.

Он купил черную изоленту и заклеил все блестящие детали фотоаппарата, чтобы быть незаметным и создавать очень живые и искрение работы. За что получил премию «Хассельблад», и затем была выпущена книга с его интервью.

Анри Картье Брессон

Коронация Георга VI, Лондон, 1937

Севилья, Испания,1944

Ребенок, освобожденный из концлагеря, Дессау, Германия, 1945.

Мэрилин Монро, 1960.

Ахмадабад — Индия, 1965 г.

Неаполь, Италия, 1960.

Без названия, 1952.

Дети, играющие в ковбоев, Рим — Италия, 1951.

Без названия.

Негров не пускают в театр, 1961.

Улица Rue Mouffetard, Париж, 1952.

Ноги Мартины, жены фотографа, 1967.

Без названия, 1969.

Изображение Ленина на фасаде Зимнего Дворца по случаю 9 мая, Ленинград, 1973.

Анри Картье-Брессон.

 ●   ●   ●

Общие сведения о его работах

Андреас Гурски начал свою художественную деятельность с фотографий малого формата, но нашел большие форматы в конце 1980-х и электронную обработку изображений в начале 1990-х. Влияние документальной практики Бернд и Хиллы Бехер безошибочно . Как и его учителя, Гурски действует концептуально , но, в отличие от них, он обращается к множеству объектов с помощью своей широкоформатной камеры . Помимо прочего, он фотографирует. Пейзажи, архитектура и интерьеры

Гурски фотографирует в цвете , используя цвета довольно осторожно и используя технические возможности большого формата для достижения высокого уровня точности изображения, но используя инструмент компьютерной обработки изображений, чтобы вмешаться в изображение. На многочисленных записях он создает искусственные эффекты на основе монтажа.

Андреас Гурски (Andreas Gursky)

Андреас пошел по стопам своего отца, который был рекламным фотографом. Он, не сомневаясь в своем выборе, окончил школу профессиональных фотографов.

И начал свою деятельность в путешествиях по миру, постоянно экспериментируя и совершенствуя свое мастерство. Любой снимок Гурски в саду, на реке или на заводах, удивляет своим масштабом и вниманием к деталям. Андреас Гурски

Андреас Гурски

Amazon, 2016.

Ле-Ме, 2016.

Media Markt, 2016.

V&R, 2011.

Чикагская торговая палата III, 2009.

Кувейтская фондовая биржа II, 2008.

Мировые острова Дубая I, 2007.

Пит-стоп в Формуле-1, 2007.

Пхеньян I, 2007.

Мадонна I, 2001.

Библиотека, 1999.

Краткая биография

1955

Гурски родился в восточной Германии в 1955 году, через 2 года семья переехала в западную часть — город Дюссельдорф. Родители Андреаса владели студией фотографии, помимо этого его отец сделал успешную карьеру рекламного фотографа и стал первым учителем своего сына. Ещё до окончания средней школы Андреас выучил технические навыки и секреты фотографии отца.

1977 — 1981

Гурски учился в университете города Эссен, который считается местом становления авангардного искусства. Его преподавателем стал известный немецкий фотограф Отто Штайнерт, который прославился своими «психологическими портретами» и создал новый стиль «субъективной фотографии», оказавший влияние на многих фотографов Европы и Америки.
В 1980 году он сделал фотографию своей кухонной плиты. Впоследствии этот снимок Гурски включал в свои выставки, посвящённые его ранним работам.

Окончание престижного университета и учёба у знаменитого преподавателя не помогли Гурски получить работу по профессии. Работая водителем такси, Андреас познакомился с известным современным фотографом Томасом Штрут, который помог ему попасть в академию художеств.

1981 — 1987

Андреас Гурски поступил в Дюссельдорфскую академию, которая считается кузницей величайших фотографов и художников Европы. Там он попал под покровительство известных немецких мастеров концептуализма Берда и Хиллы Бехер, которые прославились благодаря съемке серий промышленных объектов. Одногруппниками Гурски стали будущие успешные фотографы: Томас Руфф, Кандида Хофер, Йорг Зассе и Томас Штрут.

В 1982 году Андреас Гурски сделал серию фотографий офисных рабочих для своего проекта «Desk Attendants».

С 1983 по 1987 в своих работах он акцентировал внимание на людях в движении

1988 — 1989

Прошла первая персональная выставка Андреаса в Берлинской галерее Galerie Johnen & Schöttle. Через год его работы были выставлены в музее Museum Haus Lange в немецком городе Крефельд.

В этот период коммерческий успех Гурски начал возрастать благодаря стремительно возросшему международному интересу к искусству фотографии и пику славы его учителей Берды и Хиллы Бехер.

В это же время Андреас начал экспериментировать с размером фотографий, постепенно его увеличивая.

В эти годы он больше акцентировал своё внимание на природе

1990

Гурски отправился в путешествие по городам Азии, Европы и Америки. Там он фотографировал жилые дома, заводы, отели и офисные здания. Поездку фотограф спланировал максимально детально: ещё до приезда в город он знал, какие именно здания и с какого ракурса будет фотографировать.

Печатая свои фотографии, он начал использовать самый большой размер фотобумаги, который был в то время на рынке.

1991

Гурски в своих фотографиях передал атмосферу заводов Siemens, сочетая в снимках технику, людей и их рабочее пространство.

2000

Гурски начал совмещать листы фотобумаги, чтобы сделать изображения больше, чем самый большой стандартный размер 183 х 457 см.

В это время он начал обрабатывать снимки на компьютере, чтобы добиться лучшей детализации, возможности изменять цветовую гамму, добавлять новые элементы и устранять лишние.

2001

В этом году Андреас Гурски сделал фотографию Рейна, которая впоследствии была продана с аукциона за рекордную сумму 4,3 миллиона долларов США. После этого Гурски попал в число самых дорогих фотографов мира.

Андреас использовал цифровую ретушь, чтобы достичь «пустынности» пейзажа. В оригинальной версии на заднем плане фотографии располагалась электростанция, а на переднем — человек с собакой.

2007

Организована передвижная выставка, благодаря которой фотографии Гурски можно было посмотреть во множестве стран.

Настоящее время
В последние годы Гурски преимущественно фотографирует архитектуру, пейзажи и толпы людей в различных ситуациях.

Андреас Гурски: 7 основных правил фотографии

1. Фотографировать с самой высокой точки местности

Ракурсу своих фотографий Андреас дал название «Взгляд Бога».  Чтобы сделать снимок, фотограф арендует вертолёты, высокие краны, забирается на возвышенности и небоскрёбы, пытаясь сделать кадр с такого ракурса, чтобы его больше никто не смог повторить.

В 2010 году для серии фотографий «Ocean» Гурски использовал спутниковые изображения высокого разрешения. Серия вызвала массу споров: считать ли такие фотографии произведением искусства.

2. Относиться к процессу фотографирования как к документации жизни человека

Фотографируя, нужно «разбудить» в себе учёного, который через снимки должен фиксировать жизнедеятельность человека как вида.

3. Использовать высокое качество изображения

Фотографии Гурски пестрят мельчайшими деталями — именно они насыщают снимок жизнью. Например, если смотреть на фотографию дома в , можно заглянуть в каждое окно, полюбоваться цветами на подоконниках, изучить разнообразие настольных светильников и насчитать как минимум 4 мольберта, стоящих около окон.

Эта фотография интересна еще и тем, что Гурски отдельно сфотографировал торцы здания и «присоединил» их к фасаду, давая возможность зрителю увидеть дом сразу с трёх сторон.

Paris, Montparnasse, 1993

4. Использовать несколько кадров для создания одной фотографии

Склейка нескольких кадров в один позволяет печатать огромного размера фотографии. Количество снимков может варьироваться от 2, как на фотографии дома «Montparnasse» (сверху), и до нескольких десятков, как на серии фотографий «F1 Boxenstopp».

5. Редактировать цвет

Большое внимание Гурски уделяет цвету. Он не допускает того, чтобы на ней присутствовало множество оттенков одного цвета

Цветовая гамма в его работах довольно ограничена.

Hong Kong, Stock Exchange II, 1994

6.  «Чистить» снимок от мешающих деталей и добавлять новые

Важная часть редактирования: добавление и удаление деталей. Например, на фотографии  «99 cent II Diptychon» Гурски добавил отражение товаров на потолок, создав эффект повторяемости.

История фотографии довольно иронична: этот снимок американского магазина с товарами по 99 центов Гурски задумывал как метафору проблемы современного общества потребления. Недавно работа была продана за 2,2 миллиона долларов — метафора мирового арт-рынка.

99 cents, 1999

7. Фотографа должно интересовать не место, а пространство

По словам Гурски, пространство не должно быть живописным или экзотическим, оно просто должно работать как исправная батарейка, от которой можно подзарядиться энергией. Этот заряд должен быть такой силы, чтобы через фотографию передавался зрителям.

Все эти правила работают на главную идею Гурски: отразить воздействие глобализации на современную жизнь

Андреасу важно показать и мельчайшие детали и полную картину того, что он снимает. Наделить человека «взглядом Бога» , позволив охватить весь размах панорамы, и в то же время «впиться» в каждый её крохотный элемент

Арт-рынок

Его фотографии высоко ценятся на международном арт-рынке . Фотография Rhein II (1999) достигла рекордной стоимости в 4,3 миллиона долларов 8 ноября 2011 года на Christie’s в Нью-Йорке (около 3,19 миллиона евро по курсу на то время), что делало ее временами самой дорогой фотографией в истории.

Ранее фотография уже стоила 99 центов (2001 год) 10 мая 2006 года на аукционе Sotheby’s в размере 2,26 миллиона долларов. 16 ноября того же года анонимный участник торгов за диптих 99 Cent II на аукционе Phillips de Pury & Company в Нью-Йорке заплатил 2,48 миллиона долларов. В феврале 2007 года цена на принт с этим мотивом выросла до 3,3 миллиона долларов.

Работы Гурского хранятся в международных музеях и частных коллекциях. Он представлен галереями Sprüth Magers , White Cube и Gagosian Gallery.

Карьера и стиль [ править ]

До 1990-х годов Гурски не манипулировал своими изображениями в цифровом виде. С тех пор Гурски откровенно заявлял о том, что он полагается на компьютеры для редактирования и улучшения своих изображений, создавая искусство пространств, больших, чем сфотографированные объекты. [ Править ] Запись в The New Yorker журнале, критик Питер Шжелдал назвал эти картины «обширной», «показной», «развлекательным» , и «буквально невероятно.» В той же публикации критик Кальвин Томкинс описал Гурски как одного из «двух мастеров» «дюссельдорфской» школы. В 2001 году Томкинс описал опыт столкновения с одной из больших работ Гурски:

Перспектива на многих фотографиях Гурски нарисована с возвышенности. Это положение позволяет зрителю встречаться со сценами, охватывающими как центр, так и периферию, которые обычно недоступны. Эта широкая перспектива была связана с вовлечением в глобализацию . Визуально Гурски привлекают большие, анонимные, искусственные пространства — высотные фасады в ночное время, вестибюли офисов, фондовые биржи, интерьеры крупных розничных торговцев коробками (см. Его гравюру 99 Cent II Diptychon ). В ретроспективе 2001 года, Нью-Йоркский музей современного искусства.описал творчество художника как «изощренное искусство неприукрашенного наблюдения. Именно благодаря искусству художественных произведений Гурски мы признаем его мир своим собственным». Стиль Гурски загадочен и невозмутим. Работы практически не имеют объяснений или манипуляций. Его фотография проста.

Фотография, сделанная Гурски с фестиваля Dance Valley , сделанная недалеко от Амстердама в 1995 году, изображает посетителей перед ди-джеем на большой арене под эффектами стробоскопического освещения. Падающий дым напоминает человеческую руку, удерживающую толпу в стазисе. Завершив печать, Гурски объяснил, что единственная музыка, которую он сейчас слушает, — это анонимный, насыщенный битами стиль, известный как Trance , поскольку его симметрия и простота перекликаются с его собственной работой — при этом играя в направлении более глубоких и интуитивных эмоций. [ необходима цитата ]

Фотография 99 Cent (1999) была сделана в магазине 99 Cents Only на бульваре Сансет в Лос-Анджелесе и изображает его интерьер в виде вытянутой горизонтальной композиции параллельных полок, пересекаемых вертикальными белыми колоннами, на которых множество «аккуратно маркированных пакетов» превращаются в цветные поля, создаваемые бесконечными массивами одинаковых продуктов, отражающихся от блестящего потолка »( Уайатт Мейсон ). Райн II (1999) изображает участок реки Рейн за пределами Дюссельдорфа, сразу читаемый как прямой участок воды, а также как абстрактную конфигурацию горизонтальных полос цвета разной ширины. В его серии из шести частей « Океан I-VI».(2009–2010) Гурски использовал спутниковые фотографии высокой четкости, которые он дополнял из различных источников изображений в Интернете.

Претензия Гурского на реализм

Например, при записи концерта Мадонны под названием « Мадонна I» он в цифровом виде увеличивает аудиторию и тем самым вызывает раздражение по поводу реальности изображения. Кроме того, в серии пит — стопа F1 , отличается в лазерных отпечатков широкоформатных картинок в четырех пит — стопы в Формуле 1 , каждый копируется Гурский играет с объективности , которые были характерны фотографии в течение длительного времени. Все картинки перечеркнуты монтажами и повторами. На поверхности Гурски выявляет структурный порядок. Все — строго структурированная композиция . Предметы и пространства объединены в узор горизонтальными линиями, все кажется однородным. И все же «ошибки» прокладывают себе дорогу в серийное повторение. «Странное повторение того, что не совсем одно и то же в одном изображении, указывает на живописное качество фотографии, которое не просто изображает». Здесь Андреас Гурски играет с концепцией объективности фотографии . Его очевидные фотомонтажи показывают, что не существует такой вещи, как «действительное изображение», никакой действительной сцены, которую можно сфотографировать. Его претензия на истину состоит в том, что событие имело место, но способ, которым это событие запечатлено на фотографиях, очень разнообразен. «Любая претензия на правду в картинах может быть удовлетворена только в той мере, в какой определенное событие произошло здесь и сейчас», — говорит Гурски и показывает, что не придает подлинности своим картинам. Его претензия на реализм в фотографии заключается только в том, что «что-то было там». Его монтаж и композиции изображений обращаются к отношениям между бытием и внешним видом, правдой и постановкой и приводят нас к переоценке роли художественной фотографии в эпоху цифровых технологий. .

Андреас Гурски Rhein II, цифровая обработка фотографии 185,4 × 363,5 см из частной коллекции (обратите )

Таким образом, если здесь на переднем плане находятся процессы, критичные для СМИ, он критически обращается к миру потребителей и производства с другими предметами (например, с фотографией обувного магазина Prada , в которой сама презентация товаров является иконографической ). Все его работы имеют общие вопросы о современности, будь то потребление, архитектура, ландшафтный дизайн или поп-культура. Его отстраненный взгляд, усиленный точностью большого формата камеры, как бы отсылает к анонимности современного существования и взаимозаменяемости мест и локаций в современных индустриальных обществах.